Venezia è la capitale mondiale dell’arte contemporanea. Lo dimostra la vernice della Biennale Arte 2026: un caleidoscopio di eventi in tutta la città tra mostre, padiglioni, performance, installazioni e feste private, per un’edizione che si intitola In Minor Keys e che, in mezzo a tutto questo, chiede di rallentare.

Kouoh aveva costruito tutto il progetto – selezionato gli artisti, scritto il testo curatoriale, definito l’allestimento – ed è scomparsa improvvisamente nel maggio 2025, prima della presentazione ufficiale. Il suo team ha portato avanti il lavoro esattamente come lei lo aveva lasciato.

La sua eredità curatoriale è una Biennale che premia chi rallenta, si ferma e respira. Un invito a sintonizzarsi sulle tonalità minori (In Minor Keys appunto): quelle che non gridano, non restano in superficie, ma richiedono tempo, lo stesso tempo utile per leggere le didascalie, i testi dell’artista, le spiegazioni accanto alle opere. Senza, molte cose restano mute.

Carlo Ratti, alla sua Biennale Architettura (2025), aveva trovato una soluzione elegante: didascalie accorciate con l’intelligenza artificiale, rese molto facili e di breve lettura, pensate per chi aveva cinque minuti come cinquanta. In questa edizione uno strumento simile sarebbe stato utile. Personalmente la soluzione più pratica è stata chiacchierare con i ragazzi dello staff dotati della spilla “ask me”: preparati, capaci di spiegare senza banalizzare, in grado di trasformare la sosta in un piacevole momento di apprendimento.

Il corpo come soggetto e oggetto

Dalla esagerata folla di accreditati, decisamente fuori scala rispetto alle edizioni precedenti (difficile visitare con calma, difficile lavorare), si è sommato il rumore di fondo della questione Russia con la scelta del Presidente Buttafuoco di riammettere il padiglione russo, generando contestazioni ministeriali e di piazza, con la giuria che si è dimessa in blocco e i Leoni d’Oro trasformati in un televoto popolare.

Come le Guerrilla Girls nel 1985, seppur per altri motivi, le Pussy Riot si sono presentate a petto nudo con maschere fucsia davanti al padiglione della Russia, mettendo il corpo femminile nudo come gesto socio-politico dichiarato.

Il corpo, associato all’acqua come soggetto e simbolo dell’ecosistema in crisi, è affrontato dall’austriaca Florentina Holzinger che rappresenta il suo Paese con SeaWorld Venice, curato da Nora-Swantje Almes. La performance più discussa e instagrammabile (visibile già dall’esterno) è quella della campana di bronzo: allo scoccare di ogni ora, una donna nuda funge da battacchio: il suo corpo come strumento d’allarme contro il cambiamento climatico. Proprio in quei giorni l’account Instagram di Holzinger è stato temporaneamente sospeso da Meta per la censura automatica dei corpi senza veli. L’ironia è tutta nel post pubblicato da @artnotnet: “The algorithm was not curatorially prepared for Venice.”

Mi ci sono volute due ore e mezza di coda sotto il sole per entrare nel padiglione, che funziona contemporaneamente come parco acquatico, impianto di depurazione delle acque reflue ed edificio sacro, rendendo visibile quello che normalmente si tiene fuori dalla vista.

Entrando sulla destra tre donne di età diverse inscenano una deposizione di Cristo al femminile, arrampicandosi su una gigantesca banderuola rotante; sulla sinistra una performer nuda guida una moto d’acqua in circolo, bagnando le persone tra il divertito e il terrorizzato. Dietro all’edificio c’è un cortile con due bagni chimici utilizzabili dal pubblico, collegati a una vasca dove una donna fluttua silenziosa, immersa nell’acqua filtrata dai fluidi corporei dei visitatori stessi. Uno spazio vetrato sulla sinistra presenta dei tubi impazziti che spruzzano liquidi marrone sulle performer. La scena è cruda, difficile da guardare, eppure guardare è l’unica cosa che si può fare. Vien voglia di intervenire, e allo stesso tempo quel qualcosa di marrone ti blocca.

È il territorio che Luis Buñuel aveva esplorato in Il fantasma della libertà (1974), rovesciando i tabù corporali fino a renderli irriconoscibili, e che Kubrick aveva toccato in Eyes Wide Shut con la sequenza in cui Nicole Kidman è in bagno proprio per restituire una naturalezza intima che non appartiene alla grammatica del cinema commerciale. Holzinger porta quella stessa logica dentro un padiglione della Biennale, e il pubblico resta lì, telefono in mano, a chiedersi se stia guardando o partecipando.

Il collegamento con il Padiglione Lussemburgo all’Arsenale è immediato: Aline Bouvy presenta La Merde, un saggio cinematografico femminista che affronta la vergogna come costrutto sociale attraverso la figura di un essere-escremento che attraversa diverse fasi della vita, incarnando ciò che la società tenta di reprimere.

Il tema del corpo e della cura si declina in modo diverso al Padiglione del Giappone, dove Ei Arakawa-Nash, padre di gemelli, dispone 208 bambole di circa 5-6 chili ciascuna: ogni visitatore ne prende in braccio una e la porta con sé attraverso il padiglione, cambiandole il pannolino prima di uscire. Un codice QR attiva una poesia legata alla data di nascita assegnata alla bambola. Quello che sembra un gesto tenero è anche una critica alla retorica della guerra: i bambini, scrive l’artista, sono tra le prime vittime dei conflitti.

La stessa urgenza sul corpo femminile è presente al Padiglione Centrale: Buhlebezwe Siwani espone Zanenkosi e Ilifa lakhe, sculture scolpite in sapone verde, colore immediatamente riconoscibile per ogni famiglia sudafricana a basso reddito. Quel materiale povero diventa il modo per parlare della donna incinta, la gravidanza come tempo considerato improduttivo nella società. L’antitesi con gli idoli preistorici della Collezione Ligabue, dove la maternità era venerata come forza vitale.

Quella stessa collezione ora visitabile, grazie alla Fondazione Giancarlo Ligabue che ha aperto al pubblico il Palazzo delle Arti e delle Culture, splendido Palazzo Erizzo sul Canal Grande, con Collecto: un percorso di oltre 400 opere che attraversa 4,5 miliardi di anni di storia umana: dal meteorite pallasite tra i più rari al mondo alle Veneri preistoriche, dalla biblioteca mesopotamica con 250 tra bassorilievi e tavolette cuneiformi a Leonardo da Vinci, Tiepolo e Guardi, fino agli artisti contemporanei Arcangelo Sassolino, Nico Vascellari, Giorgio Andreotta Calò e Vera Lutter.

Il corpo attraversa anche la Biennale Off con Transforming Energy alle Gallerie dell’Accademia che, con la curatela di Shai Baitel, festeggia gli ottant’anni di Marina Abramović, prima donna artista vivente a ricevere una grande mostra in questo museo. Negli spazi della collezione permanente e in quelli temporanei, le sue opere storiche come la Pietà (with Ulay) in dialogo diretto con la Pietà di Tiziano convivono con i Transitory Objects: strutture in pietra con cristalli di quarzo e ametista incastonati per attivare quella che Abramović chiama una trasmissione di energia. Il corpo del visitatore diventa parte dell’opera: ci si sdraia, ci si siede, ci si ferma in silenzio. Si esce leggeri, con la sensazione di aver dedicato del tempo a se stessi. Necessario, in quei giorni.

L’importante è esserci… 

C’è chi espone anche quando il proprio ministero rinuncia al padiglione. È quello che è successo a Gabrielle Goliath che, sebbene il suo video dedicato alla poetessa palestinese Hiba Abu Nada, uccisa a Gaza nel 2023, fosse stato giudicato “altamente divisivo”, ha trovato spazio nella Chiesa di Sant’Antonin, a Castello, vicino all’Arsenale dove il padiglione ufficiale è rimasto chiuso.

E poi c’è chi sceglie Venezia durante la Biennale perché è il momento in cui il mondo guarda.

Dale Chihuly torna a Venezia trent’anni dopo Chihuly Over Venice con tre sculture in vetro alte fino a 9,5 m, tutte visibili dal Ponte dell’Accademia: la Gold Tower a Palazzo Franchetti, la Blue and Green Tower a Ca’ Balbi Valier, l’End of the Day Chandelier a Palazzo Querini alla Carità.

Solo nei giorni della vernice lo Studio DRIFT ha installato Shy Society sulla facciata di Palazzo Balbi: una costellazione cinetica di forme luminose in alluminio e LED sospese, che di notte sembravano meduse che pulsavano sull’acqua. E sempre in quei giorni, dall’isola di San Clemente, Chris Levine ha proiettato Higher Power: un raggio laser verde di derivazione militare riconvertita, abbastanza potente da essere stato rilevato dalla Stazione Spaziale Internazionale, visibile ogni sera con un messaggio scritto dall’artista sui social: “Make light, not war.”

Dentro e fuori la Biennale, in acqua e sui palazzi, nei padiglioni e nelle polveriere: tutto questo produce un effetto che Venezia sa generare come nessun’altra città al mondo: troppo da leggere per leggere tutto, abbastanza da capire che fermarsi vale sempre la pena.

Cecilia Alemani è la prima curatrice italiana ad essere stata nominata per questo ruolo. È attualmente direttrice artistica della High Line Art e precedentemente curatrice del Padiglione Italia alla Biennale Arte 2017; ha scelto per La Biennale Arte 2022 il titolo Il latte dei sogni, lo stesso del libro di un’altra donna: l’artista surrealista Leonora Carrington.

Cecilia spiega la scelta ispirativa: “l’artista descrive un mondo magico nel quale la vita è costantemente reinventata attraverso il prisma dell’immaginazione e nel quale è concesso cambiare, trasformarsi, diventare altri da sé. La Mostra propone un viaggio immaginario attraverso le metamorfosi dei corpi e delle definizioni dell’umano.“

Curiosi di scoprire la prossima Mostra d’Arte di Venezia, abbiamo realizzato una lista in ordine alfabetico dei partecipanti annunciati finora: padiglioni nazionali, i loro artisti e curatori.

• Canada
  Artista: Stan Douglas
  Curatore: Reid Shier
  Il Padiglione è ai Giardini della Biennale

L’artista di Vancouver è riconosciuto come uno degli artisti contemporanei più importanti del suo Paese. Le sue opere multidisciplinari tra film, fotografie e, più recentemente, produzioni teatrali, riflettono il potenziale dinamico che scaturiscono i momenti cruciali della nostra storia.

• Catalogna
  Artista: Lara Fluxà
  Curatore: Oriol Fondevila

Classe ’85 di Palma di Maiorca, Lara Fluxà considera l’azione della misurazione una strategia inutile per affrontare l’incertezza della vita, in quanto limita le possibilità di percepire ciò che sta al di là del risultato analizzato. Così, modifica e altera gli strumenti e i processi di calcolo, generando nuovi risultati, percezioni invisibili come materiali trasparenti tipo acqua o vetro e fenomenologici come l’aria o la luce in esperienze possibili.

• Danimarca
  Artist: Uffe Isolotto
  Organizzatori : Jacob Lillemose
  Il Padiglione è ai Giardini della Biennale

Il Padiglione Danese alla Biennale di Venezia, grazie alla connessione dell’artista visivo Uffe Isolotto, presenterà uno scenario drammatico social-realista dai riferimenti mitologici e idilliaci.

• Estonia
  Artisti: Kristina Norman, Bita Razavi ed Emily Rosaly Saal
  Organizzatori: Corina L. Apostol e Maria Arusoo
  Il Padiglione ospite in quello dell’Olanda è ai Giardini della Biennale

Orchidelirium: An Appetite for Abundance è il titolo della mostra al Padiglione Estonia 2022 ispirato alle piante tropicali. Le artiste propongono opere storiche e nuove per dare una visione multiforme della storia coloniale e delle sue problematiche.

• Emirati Arabi Uniti
  Artista: Mohamed Ahmed Ibrahim
  Curatrice: Maya Allison
  Il Padiglione è all’Arsenale

Pittore, scultore e land artist innovativo, Mohamed Ahmed Ibrahim rappresenterà gli Emirati Arabi Uniti alla Biennale di Venezia in una mostra curata da Maya Allison, Direttrice Esecutivo della New York University Abu Dhabi Art Gallery. Conosciuto per essere uno dei primi artisti sperimentali degli Emirati Arabi Uniti, Ibrahim è un membro influente della comunità artistica d’avanguardia del Paese formatasi nei primi anni ’80.

• Filippine
  Artisti: Gerardo Tan, Felicidad A. Prudente e Sammy Buhle
  Curatori: Yael Buencamino Borromeo e Arvin Jason Flores
  Il Padiglione è all’Arsenale

Scelta su 11 proposte curatoriali, la mostra All of us present, This is our gathering/Andi taku e sana, Amung taku di sana che verrà curata da Yael Buencamino Borromeo e Arvin Jason Flores presenterà il progetto in collaborazione dell’artista Gerardo Tan, la musicologa Felicidad A. Prudente ed il tessitore Sammy Buhle. La mostra prevede un approccio interdisciplinare dei sensi mediato da suoni, performance, immagini e oggetti che intrecciano il consueto ed il contemporaneo.

• Germania
  Artista: Maria Eichhorn
  Curatore: Yilmaz Dziewior
  Il Padiglione è ai Giardini della Biennale

Classe ’62 di Bamberga, la berlinese Maria Eichhorn è conosciuta per le sue opere e installazioni site-specific dalla natura processuale che indagano il tema della proprietà o controllo, spesso nei sistemi politici ed economici, rivelando incoerenze e complessità nei rapportati di lavoro, valore e tempo.

• Gran Bretagna
  Artista: Sonia Boyce
  Organizzatori: British Council
  Il Padiglione è ai Giardini della Biennale

Approccio altamente innovativo e sperimentale tra performance improvvisata e collaborativa ed elementi audiovisivi che invita i partecipanti a riunirsi e parlare, cantare o muoversi in relazione al passato e al presente.

• Lussemburgo
  Artista: Tina Gillen
  Curatore: Christophe Gallois
  Il Padiglione è all’Arsenale

Le opere di Tina Gillen raffigurano momenti di vita quotidiana, sostenendo un grado di ambiguità tra astrazione e figurazione, costruzione e improvvisazione. Il progetto Faraway So Close per la Biennale Arte 2022 si tratta di un’ambiziosa installazione pittorica concepita appositamente in dialogo con la storica cornice delle Sale d’Armi dell’Arsenale in esplorazione dalla superficie pittorica e quella tridimensionale: un tableau vivant che riflette sul rapporto tra spazio interno e mondo esterno.

La mostra è accompagnata da un progetto di ricerca intitolato Forms of Life che prevede seminari mensili presso la Royal Academy of Fine Arts di Anversa, dove Gillen insegna pittura, e un workshop a Venezia durante la Biennale.

• Malta
  Artisti: Brian Schembri, Giuseppe Schembri Bonaci e Arcangelo Sassolino
  Curatori: Keith Sciberras e Jeffrey Uslip
  Il Padiglione è all’Arsenale

Diplomazija Astuta è il titolo del progetto del team creativo composto da Giuseppe Schembri Bonaci (Malta), Arcangelo Sassolino (Italia) e dalle composizioni del direttore d’orchestra e musicista maltese Brian Schembri, selezionato in rappresentazione di Malta per la Biennale Arte 2022.

Si tratterà di un’installazione concettuale, immersiva e site-specific che collegherà le narrazioni bibliche con la cultura contemporanea. Ne farà parte anche l’opera Metall u Skiet di Giuseppe Schembri Bonaci, brani tratti dal Salmo 139 registrati in ebraico, aramaico, latino, greco, maltese, italiano e inglese, resi tridimensionali dando forma scultorea al linguaggio e rendendo concreto lo spirituale in una Stele di Rosetta del 21° secolo.

• Nuova Zelanda
  Artista: Yuki Kihara
  Curatrice: Natalie King
  Il padiglione è all’Arsenale

Ecologia delle piccole isole della Nuova Zelanda, cambiamento climatico, diritti queer, lo sguardo di Gauguin e la decolonizzazione, sono alcuni dei temi esplorati dal pluripremiato artista interdisciplinare Yuki Kihara, per il padiglione Nuova Zelanda. Paradise Camp è un progetto durato otto anni che comprende fotografia, video, ricerca d’archivio e attività sociali, girato sull’isola di Upolu, Sāmoa.

• Olanda
  Artista: Melanie Bonajo
  Curatori: Orlando Maaike Gouwenberg, Geir Haraldseth e Soraya Pol
  Il Padiglione è alla Chiesetta della Misericordia

Melanie Bonajo è un’artista-regista e anche bodyworker e sex coach. Bonajo creerà un’installazione video immersiva che esplorerà l’importanza del tocco e dell’intimità, in un’epoca di crescente isolamento guidato dal digitale. Dopo più di due anni di distanziamento sociale, il lavoro di Bonajo potrebbe diventare la riscoperta di un abbraccio di cui molte persone hanno bisogno (o forse no).

• Sámi (ex paesi nordici: Norvegia, Svezia e Finlandia)
  Artisti: Pauliina Feodoroff, Máret Ánne Sara e Anders Sunna
  Curatori: Katya García-Antón, Liisa-Rávná Finbog e Beaska Niillas
  Il Padiglione è ai Giardini

Il padiglione nordico cambia nome in Sámi e mostrerà le opere di 3 artisti della regione, appunto, Sámi della Norvegia settentrionale. La selezione degli artisti e il cambio del nome è, come dichiarano i curatori dell’Office for Contemporary Art Norway: “un’inversione simbolica delle rivendicazioni coloniali che hanno cercato di cancellare la terra e la cultura Sámi”.

• Scozia
  Artista: Alberta Whittle
  Organizzatori: Glasgow International e Scotland + Venice
  Il Padiglione è alla Darsena Arsenale di San Pietro di Castello

Lavora con il cinema, la scultura, i media, la performance e l’installazione. Alberta Whittle risponde agli eventi odierni attingendo alla ricerca e alla diaspora africana tra colonialismo, xenofobia, cambiamento climatico e pandemia.

• Serbia
  Artista: Vladimir Nikolic
  Curatrice: Biljana Ciric
  Il Padiglione è ai Giardini

Biljana Ciric è una curatrice indipendente con sede a Shanghai che per Venezia presenta l’artista Vladimir Nikolic, nato nel 1974 a Belgrado (Serbia), dove vive e lavora. I suoi lavori sono stati presentati in diverse importanti gallerie e musei, tra cui la Whitechapel Art Gallery e The 88 Project.

• Singapore
  Artista: Shubigi Rao
  Curatore: Ute Meta Bauer
  Il Padiglione è all’Arsenale

Ute Meta Bauer è curatrice di mostre e presentazioni, collegando arte contemporanea, film, video e suono attraverso formati transdisciplinari. Da quasi 10 anni è Direttrice Fondatore di NTU CCA Singapore – Center for Contemporary Art, Singapore — un centro di ricerca della Nanyang Technological University (NTU), dove è professoressa ordinaria presso la School of Art, Design & Media (ADM). La sua principale ricerca, supportata dal Ministero della Pubblica Istruzione di Singapore, è sulla crisi climatica e la perdita culturale.

Ecco che si affina l’arte dell’artista e scrittrice Shubigi Rao che include testi, film e fotografie e guarda ai punti critici attuali e storici come cambiamenti di prospettiva in esame delle crisi contemporanee di spostamento sia di persone, lingue, culture che del sapere.

• Slovenia
  Artista: Marko Jakše
  Curatore: Robert Simonišek
  Il Padiglione è all’Arsenale

La mostra è un omaggio al pittore Marko Jakše, vincitore del Prešeren Fund Award nel 2015. Fin dall’inizio del suo percorso creativo si è dedicato intensamente alla pittura con motivi figurali e paesaggistici riconoscibili, creando un misterioso universo in cui si intrecciano sogno e realtà, lirico e narrativo, arcaico e moderno.

• Turchia
  Artista: Füsun Onur
  Curatrice: Bige Örer
  Il Padiglione è all’Arsenale

Il Padiglione della Turchia, che risiederà all’Arsenale fino al 2034, ospiterà per la manifestazione veneziana 2022 un’installazione di Füsun Onur, artista contemporanea le cui opere dai riferimenti autobiografici trattano le potenzialità dello spazio, tempo, ritmo e forma.

• Ungheria
  Artista: Zsófia Keresztes
  Curatore: Mónika Zsiklai
  Il Padiglione è ai Giardini

La mostra curata da Mónika Zsiklai, direttrice curatoriale del Q Contemporary di Budapest, è il progetto vincitore del concorso pubblico dell’artista Zsófia Keresztes intitolato After Dreams, I Dare to Defy the Damages. Keresztes è un’artista visiva le cui sculture e installazioni sono caratterizzate da colori tenui e composti a mosaico.

• Zimbabwe
  Artisti: Wallen Mapondera, Ronald Muchatuta, Kresiah Mukwazhi e Terrence Musekiwa
  Curatrice: Fadzai Veronica Muchemwa

Fadzai Veronica Muchemwa è ricercatrice, scrittrice e curatrice emergente che lavora ad Harare nello Zimbabwe. È già stata curatrice del Padiglione dello Zimbabwe alla 56a Biennale di Venezia nel 2015 e per il 2022 presenta un gruppo di artisti con oltre dieci anni di attività e riconosciuti nel sistema arte internazionale.

Wallen Mapondera lavora con i media, la pittura, il disegno, la scultura e le installazioni per “sfidare la linearità del tempo e della storia, evocare temi sociali e politici di potere, dominio, gerarchie e corruzione”.

Ronald Muchatuta esplora i problemi della diaspora dello Zimbabwe tra migrazione, politica, postcolonialismo e discriminazione.

L’arte di Kresiah Mukwazhi si basa sulle esperienze personali e la violenza, lo sfruttamento e l’abuso di genere, facendo emergere casi di aggressione sessuale nel suo Paese e nel resto dell’Africa meridionale.

Proveniente da una lunga stirpe di scultori, Terrence Musekiwa crea pezzi che “sfidano e rendono omaggio allo stesso tempo alla tradizione dello Zimbabwe” in un dialogo tra sistemi e modi di vita.